Por dónde empezar. . . En el medio, tal vez. A Jean-Luc Godard le gustaba empezar en el medio, como le confesó a Miguel Marías en una entrevista con la revista Casablanca (noviembre de 1981). Después de encabezar una serie de protestas en apoyo de los becarios de mayo de 1968 en el Festival de Cine de Cannes, el cineasta tomó la decisión de lo que se convertiría en la Nouvelle Vague, fundada de manera informal cuando él y sus colegas de la revista Cahiers du Cinéma tomaron la decisión de abandonar la lápiz para usar la cámara, se había remodelado con los años en un dinosaurio. El lenguaje de la publicidad empieza a tragarse sus inventos y, más importante para Godard, la voz de la oferta exige otro tipo de obligación artística. Un nuevo pacto entre los autores y sus imágenes, a la altura de las exigencias estudiantiles. Comienza entonces su etapa revolucionaria, que acabará por ocupar toda su producción en los años 70: un puñado de películas donde, como muestra Todo va bien o Carta a Jane (ambas de 1972), el compromiso maoísta está por encima de cualquier deseo de entretener a un espectador que , en la más pura cultura de Dziga Vertov y Bertolt Brecht, estaba allí para ser provocado, desafiado, bombardeado con conceptos reivindicativos que, con un poco de suerte, quizá lo despierten de su letargo. Ningún otro autor, antes o después, ha llegado tan lejos como Godard en su afán por romper con seguridad todas las convenciones del arte cinematográfico, ninguno ha antepuesto un combate ideológico casi kamikaze a su propia carrera.
Hasta que, desencantado por lo que entendía como una inacción, se desmarcó de la izquierda radical francesa e inició otra época artística del todo impredecible, como era Jean-Luc Godard. Su truco era no dormirse en los laureles, sino remar opuesto a lo existente hasta que descubrió algo nuevo. Volver al público. La espalda al global y hasta a sí mismo.
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Antes de todo esto, en el arranque mismo de una de las máximas cinematografías inagotables de todos los tiempos, Al final de la fuga (1959) había establecido, por así decirlo, las reglas del juego: un triyete colorista al cine de gánsteres americanoArray the movie También se puede leer como una corrección a todo el cine, los mafiosos y América. Si alguna vez una obra maestra destiló la esencia de la juventud, aquí la tiene: hasta su propia caligrafía audiovisual, con los cortes salteados nacidos por pura necesidad (el equipo vivía con la preocupación de quedarse sin stock), destila bricolaje y la preferencia por convertir el revés global a través del equivalente artístico de las placas tectónicas en movimiento. Después de haber sacado al cine francés de su letargo con sus respectivos proyectos, sus socios de la Nueva Ola emprendieron caminos muy distintos al suyo, marcados por ese más truculento pero que se percibe en obras tan rotundas como Vivir su vida (1962), El desprecio (1963), Masculino, femenino (1966) o el doble programa de marxismo pop, provocación intelectual y deconstrucción lingüística que constituyen La chinoise y Week-finish, ya sea de 1967. Godard contuvo multitudes pero fue incapaz de engañar a nadie, menos a sí mismo. : su cine era un arma, máxima ocasionalmente sostenida por una chica.
MÁS CINE
Por Noël Ceballos
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En 1978, en una presentación en el Conservatorio de Arte Cinematográfico de Montreal, el director de las mil caras tuvo una revelación: para seguir haciendo películas, primero tendrá que percibir la historia del cine mismo. mismo. Comenzó así una era de estudios expresivos que alcanzó su máxima expresión en Histoire(s) du cinema, una colección de documentales (aunque algunos prefieran hablar de instalación artística o videoarte) producidos para Canal + entre 1988 y 1998 para, como él , él mismo declaró en una ocasión segura, para interrogar el siglo XX a través de su forma máxima característica del arte, o para componer una historia de las imágenes, así como de la mirada misma, que descartaría la técnica cronológica en favor de una arqueológica. o técnica biológica. Detrás de muchas capas de cortinaje audiovisual acumulado durante décadas yace la verdad, estaba seguro, pero su objetivo no pasa más allá de terminarnos el equipo para cavar junto a él. A finales de esta década, Godard llegó a la conclusión de que lo único que realmente le interesaba como escritor era la edición, explicada por él mismo como «la técnica de poner las cosas en relación y hacer visibles las cosas».
Comienza así la última etapa de su filmografía, caracterizada por obras intencionadamente esquivas como JLG/JLG – autorretrato de diciembre (1995), Notre musique (2004), Film Socialisme (2010), Adieu au langage (2014) o Le livre des photographies (2018), más cercano al tratado filosófico y a la vanguardia natural que lo que se entiende por “cine”. A través de aquellos comentarios sociológicos con un pie en la máxima abstracción competitiva y otro en el ensayo documental, Godard pudo continuar hasta el final de sus días para experimentar con la edición, la generación y las propias probabilidades de la imaginación humana. Partió a los 91 años y con la certeza de que la cultura occidental no sería la misma sin sus aportes. Y esos son los dos o 3 cosas que sé sobre Jean-Luc Godard.
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